法国人艾米儿·科尔是第一位将当时知名的通俗画家乔治·马努斯的漫画作品制作成动画的人。这一时期的另一位伟大动画家是温瑟·麦凯，他的漫画集《LittleNemoInSlumberland》首创于1905年。1914年推出《恐龙葛蒂》。

　　1919年，加菲猫在《猫的闹剧》中首次登台，由派特·萨利文公司出品，奥托·梅斯麦导演。

　　1928年，迪斯尼推出以米老鼠为主角的卡通动画《蒸汽船威力》，这是第一部音画同步的有声卡通片，并获得了成功。

　　1932年，又推出了第一部彩色卡通片《花与树》，这是第一部获得奥斯卡动画短片奖的影片。

　　1926年万氏兄弟在上海制作了中国第一部动画片《大闹画室》，揭开了中国动画史的第一页。

　　那些仍然保持自我风格、形式、技巧以及制作方式的动画艺术家的作品被称为“实验动画”。

　　1924年，瑞典画家维京·伊格林完成的《斜线交响曲》是一部精心设计的实验动画电影，该片展示出时间、节奏以及整体结构的音乐性和因明暗与方向变化而产生的运动感。

　　从1921年起，汉斯·瑞克特利利用动画工作台与手动剪辑机尝试以停格、顺拍、倒拍等方式制作抽象动画。1921年的《韵律21》是实验方形的形状变化韵律；

　　电影是视、听结合的艺术。电影首先是“视”（影像），然后是“听”（声音），这些“视”、“听”（影像、声音）最后通过剪辑，构成一部完整的电影。

　　通常二维动画电影中影像的构成是由分镜头设计、画面设计、场景设计、角色设定、原画、动画、色彩设定、色指定、上色、上色检查、摄影、后期特效编辑等组成，这些因素是最后呈现出动画影像的重要构成因素。

　　三维动画电影中影像的构成是绘制分镜头画面、场景设计及模型制作、角色设定、制作角色的模型和动画、渲染画面

　　电影镜头是影片影像结构的基本组成单位，是电影造型语言的基本视觉元素。一部故事片一般由400-800个镜头组成。格（也叫做“帧”）是电影镜头画面的基本分割单位，一格即一个电影画面，电影的标准播放速度要求每秒24格。

　　关系镜头：又称场景主镜头，交待镜头或整体镜头。一般以全景系列（大远景、远景、大全景、全景）为主.

　　动作镜头：又称局部镜头、叙事镜头。动作镜头的景别往往以中景及近景系列（中近景，近景、特写、大特写）为主。

　　渲染镜头：又称空镜头（大部分是有较少人物的景物镜头和环境镜头）。完全取决于镜头内容的要求和前后剪接镜头视觉上的变化要求。

　　景别概论：景别通常是指被摄主体在画面中所呈现的范围。景别是摄影师在创作中组织、结构画面，制约观众视线，规范画内空间，暗示画外空间的一种极有效的造型手段。景别还是画面构图的一种视觉形式和方法，更是表达画面内容（叙事）所采取的一种视觉结构。

　　景别的划分：（1）在拍摄中，以被摄主体在画幅中被画框所截取部位的多少为标准进行划分。

　　全景、近景、中景是一部影片的骨干镜头，或者说是常用镜头，在整部影片中它们所占比例最大。处理这些常用镜头需注意：

　　由于中景是表演场面的常用镜头，所以全景、中景、近景这三类常用镜头中，中景又是常用中的“常用”，因而中景处理得是否得当，关系到整部影片造型的成败。

　　特写是电影艺术的重要表现手段之一，它是电影艺术区别于戏剧艺术的主要标志之一。

　　大特写的价值在于两点：一是重点表现人物细微表情的细节部分；二是重点表现人物形体、动作的细微动作点。以上两种表现方式，在叙事上、视觉上、构图上都必不可少。

　　影像结构的基本单位是镜头，而一个镜头是由无数画格组成的（每秒24个画格）。镜头是动态的。画格是静态的。我们平时所说的构图，就是指静态的画格的构图。

　　构图的目的：就是要在无限的空间中寻找具有视觉价值的点，用形、光、色的方式汇集于画面之中，以表达创作者的情感，激发观众产生共鸣并由视觉快感上升为心理快感。

　　构图处理的首要任务是突出主体形象，为此，要正确选择和确立主体的位置，合理处理主体与陪体、主体与环境的关系，善于选择拍摄方向与拍摄高度，确定画面范围，准确配置形、光、色、影调、线条等造型因素。只有这样，才能获得形式与内容高度统一的完美画面。

　　视觉中心：按“黄金分割律”分法和按中国传统绘画中的“九宫格”分法，可以构成画面中的四个交叉点。

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　　透视关系：在现代电影中，为了强化视觉效果、突出主体造型，常常会强化画面构图的透视效果，用近距离大广角镜头进行拍摄，使人物适度变形。

　　1.背景的作用：在宏观上分析，一个场景空间决定一场戏的叙事关系。从微观上分析，一个画面的背景关系构成了对主体的映衬与诠释。

　　为了更好地表现主题，有时需要刻意去破坏画面构图的美感，即所谓的“不规则构图”。

　　如果某个构图虽然画面优美，但它与整个影片的风格，主题不符，甚至妨碍了影片主题思想的表达，那么我们必须忍痛割爱。

　　角度在制作上又称为摄影角度、画面角度、镜头角度、拍摄角度或机位高度（角度），在理论上被称为摄影机拍摄时的视点。

　　距离关系—画面透视关系 方向关系—画面背景关系 高度关系—画面角度的核心

　　划分镜头画面角度的生理及心理基础，都是以人的视线为基点。人的视线一般表现为正常的水平线关系，由此又可以分为三种角度：平角度、仰角度（低角度）、俯角度（高角度）。

　　代表剧中人的主观视点。这种平角度必须与若干镜头结构在一起，才能体现出其意义。

　　电影的运动主要由两方面组成：被摄对象的运动，摄影机的运动。具体表现为:(1)被摄对象运动；（2）摄影机运动；（3）综合运动。

　　摄影机运动也称为“运动摄影”，“移动摄影”，指摄影机在推、拉、摇、移、跟、升降、旋转和晃动等不同形式的运动中进行拍摄。

　　光照度，即通常所说的勒克司度（lux），表示被摄主体表面单位面积上接受的光通量。1勒克司度相当于1流明/平方米

　　根据光源与被摄主体及摄影机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光和侧光

　　而视听语言中的声音是指运用人声、音响、音乐等声音元素反映现实生活所形成的综合听觉印象。

　　对白，也称“对话”，指电影中人物之间进行交流的声音。它是电影中使用最多、因而也是最为重要的人声内容。

　　（1）第一人称的自述（画面中没有说话的人），如张艺谋拍摄的影片《我的父亲母亲》；

　　动作音响，即由于人或动物行动所产生的声音，如人的走路声、开门关门声、打斗声、动物的奔跑声等。动画影片中的动作音效非常丰富，而且往往不是写实的声音，带有夸张因素。

　　自然音响，自然界中非人的行为动作所发出的声音，如山崩海啸、风雨雷电、鸟叫虫鸣等。

　　背景音响，亦称群众杂音，如集市上的叫卖声、运动场上观众的呼喊声、战场上的呐喊声等。

　　机械音响，因机械设备运转所发出的声音，如汽车、轮船、飞机的行驶声，工厂机器的轰鸣声、电话铃声、钟表的滴答声等。

　　军事音响，又称为“战争音响”，是指与战争有关的装备所发出的声音，如枪炮、坦克、炸弹或地雷被引爆时的爆炸声及子弹的呼啸声等。

　　特殊声响，即人为制造出来的非自然音响或对自然声进行变形处理后的音响。这类音响在影片中能够增加生活气息，烘托气氛，扩大视野，增加画面的深度和广度。

　　现实性音乐，又称客观音乐、有声源音乐或画内音乐，即在影片画面上可以看到声音的来源，如剧中人物唱歌、拉琴及画面中的收音机、录音机播放音乐等。

　　功能性音乐，又称主观音乐、无声源音乐或画外音乐，即在银幕上看不到声音来源的音乐，很多影片的功能性音乐都是作曲家为电影专门创作的。功能性音乐着力于表现人物的心理活动、情绪和渲染环境气氛等。

　　音画关系是指音乐与画面在影片中的结合关系。音乐是听觉艺术，画面是视觉艺术，两者都是通过一定的时间延续来展示各自的艺术魅力，它们势必会以不同的形式结合在一起。一般来说，音画关系分为音画同步和音画对位两种形式，其中音画对位又包含音画对立和音画并行。

　　“剪辑”一词，在英文中是“编辑”的意思，在德语中为裁剪之意。而在法语中，“剪辑”一词原为建筑学术语，意为“构成、装配”，后来才用于电影，音译成中文，即“蒙太奇”。

　　从技术发展的角度看，电影剪接已经并正在经历三个阶段：第一个阶段是手工制作阶段，这是无声电影时期，由手工技术操作剪接影片；第二个阶段是机器制作阶段，这是进入有声电影之后，由手工操作简易机器进行影片剪辑；第三个阶段是计算机制作阶段，这是20世纪90年代出现的高新技术，由计算机进行“非线性”剪辑（数码剪辑）。电影观念、电影艺术手法、电影科学技术的演变和进步，有力地推动了电影剪辑艺术向着更高的层次和更大的范围迅猛发展。

　　由此可见，电影剪辑既是影片制作工艺过程中一项必不可少的工作，也是影片艺术创作过程中所进行的最后一次创作。

　　剪辑节奏取决于镜头的尺数，切换的次数越多，镜头的尺数越短，节奏速度越快；切换的次数越少，镜头的尺数越长，节奏速度就越慢。

　　（1）1号镜头。1号镜头通常被称为“关系镜头”，处在底边与关系平行的三角形的顶端上，是一个在场景中充当主机位置的镜头。

　　（2）2号、3号镜头。2号、3号镜头通常被称为“平行镜头”，它们与1号镜头在视轴方向上基本是同步的（平行的）。

　　（3）4号、5号镜头。4号、5号镜头通常被称为“外反拍镜头”，也称为“过肩镜头”、“局部关系镜头”。

　　（4）6号、7号镜头。6号、7号镜头通常被称为“内反拍”镜头或“正打、反打”镜头，景别一般以中景、近景、特写为主。

　　（5）8号、9号镜头。8号、9号镜头，这两个镜头比较特殊，它们的镜头视轴方向与人物轴方向基本平行或重合，属于内反拍角度的一种极端位置，又被称为“骑轴镜头”或“视轴镜头”。

　　越轴，亦称为“离轴”、“跳轴”，即在镜头视角转场时超越了轴线度的范围界线。

　　越轴经常是导演处理镜头的一种手段，也可以是一种风格，但是不能乱用，否则会给人以漫无目的的感觉。

　　在电影制作中，按照剧本或影片所要表现的主题和情节，分别拍成许多镜头（画面）；然后再按照原定创作的构思，把这些不同镜头（画面）有机地、联想、衬托、悬念及各种节奏功效，从而组成一部能完整地反映生活、表达主题，并为观众所理解的影片。这些电影独有的构成形式和表现方法，总称为蒙太奇。

　　总之，蒙太奇是影视艺术独特的形象思维方式，蒙太奇思维，是影视艺术独特的艺术表

　　现方法；蒙太奇语言，是影视艺术最重要得剪辑技巧手段；蒙太奇理论，是影视美学最

　　重要的元素。蒙太奇并不是影视艺术的一切，但它却是影视艺术最重要的组成部分。

　　表现蒙太奇，又称“队列蒙太奇”，是通过镜头内容形式上的队列，通过人物形象和景物造型的队列，造成一种概念或某种寓意，增强影片的艺术表现力和情绪感染力，从而达到激发观众想象与思考以及揭示、突出创作立意的目的。

　　场面调度一词来自法语，原指舞台上处理演员表演活动位置的技巧。在电影艺术中，导演在影片制作中主要有五大创作手段，即场面调度、镜头调度、光色、声响音乐和速度节奏。

　　首先，戏剧调度是舞台设计而言的，场面调度只局限在舞台有限的空间内；而电影调度是银幕画面设计而言的，就电影画框的外形来说比舞台空间要小，但其场面调度的内涵，无论是在平面上还是在立体上都比戏剧扩大了许多。

　　所谓演员调度，就是导演对演员的运动方向、位置移动、动静态变更、演员与演员相互间变化等的处理，以构成画面不同的造型和景别。

　　所谓镜头调度，就是导演利用摄影机位的变化，形成的推、拉、移、升、降、旋等运动方式；利用镜头角度的不同，造成平、俯、仰、斜、正、侧、逆等视角；利用景别的变换构成远、全、中、近、特写等镜头画面，从而展示人物关系、情绪以及环境气氛的变化。借助于镜头调度，影片可以控制观众的注意力，其能吸引住观众的时间是喜剧所无法相比的。

　　蒙太奇学派：首先是从主观的思考出发，然后结合对生活的客观观察确定构思方案。它呈现给观众的视觉形象是短镜头，着重于写意的表现。也就是说，蒙太奇学派主张的是一种主观的、写意的艺术，讲求对镜头的分切与组合，它的核心是“形象的队列”。

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　　长镜头学派：首先是从客观的观察出发，然后结合主观思考确定实施方案。它呈现给观众的视觉形象是长镜头，着重于写实的表现。也就是说，长镜头学派主张的是客观写实的艺术，讲求的是场面调度，其核心是“再现表现对象的真实”。

　　需要指出的是，蒙太奇与长镜头虽然存在着这些重要的差异，是两种相互对立的理论、学说或流派，但两者之间也存在着相互渗透、相互借鉴和相互融合。

　　事实上，不论是蒙太奇还是长镜头，它们都是影视艺术的重要组成部分，蒙太奇学派与长镜头学派都对影视艺术的发展产生了深远的影响和促进作用，当代电影艺术仍然是在这两种学说基础上的不断更新与发展。蒙太奇与长镜头的各自完善与深化，尤其是将两者融为一体运用（即长短镜头相结合的运用）的逐步推广，将电影创作的总体水平提升到一个新的高度。